Un nuevo rol: el Gestor Cultural, Mariel Fitz Patrick
Como parte de sus acciones de responsabilidad social, las empresas desarrollan iniciativas culturales. Y necesitan especialistas que las gestionen.

"La gestión cultural ha experimentado en los últimos años un crecimiento enorme porque las empresas entendieron que es fundamental para llegar a sectores más amplios de la sociedad. Por eso son cada vez más las que están invirtiendo en este tipo de actividades que generan imagen y prestigio". Así lo señaló Guillermo Heras, funcionario del Ministerio de Cultura de España y docente de un posgrado de Gestores Culturales en la Universidad Complutense de Madrid, invitado por Metrovías a dar un seminario en Buenos Aires.

La Argentina no queda al margen de este fenómeno y la figura del "gestor cultural" en el sector privado cobra relevancia.
¿Cuál debe ser su perfil? Según Juan José Romero, que pasó de trabajar en el área comercial a convertirse en jefe de Gestión Cultural de Metrovías ¿y que tiene formación humanística y en el área de la pintura?, "es imprescindible que tenga algún vínculo con el arte y la cultura".
Juan Pablo Correa, con más de 15 años de experiencia en comunicación en el ámbito artístico ¿que trabajó como organizador de eventos de este tipo para empresas¿, coincide en que "es necesario que sepa de cultura o que esté al tanto de las nuevas tendencias".
Para Pablo Puiggari, gerente ejecutivo de Comunicaciones de Petrobras, lo fundamental es que tenga "una gran visión global de la empresa y una enorme flexibilidad para entender las distintas herramientas para posicionarla".
Abogado de formación, con un master en comunicación y publicidad en el exterior, Puiggari advierte que "a una persona del mundo de la cultura puede faltarle la mirada empresaria", por lo que debería contar con "algún tipo de formación en publicidad, a la vez que ser sensible a las disciplinas artísticas y culturales".
Correa señala que "hasta hace algunos años, en nuestro país, la cultura era algo marginal dentro de los intereses de las empresas. En cambio, ahora, casi nadie se priva de tener alguna política vinculada con el arte y la cultura".

Metrovías fue una de las pioneras hace una década, con su programa cultural Subtevive. Romero articula y coordina una amplia agenda en pasillos y andenes, de la que participan más de 300 artistas. Al comienzo, por tratarse de una empresa de transporte donde la mayoría eran ingenieros, contadores o abogados, tuvo cierta resistencia. Pero la aceptación de los pasajeros le permitió moverse con libertad.
Romero se ocupa de seleccionar y convocar a los artistas, así como de organizar los espectáculos. "Tengo un espíritu inquieto y siempre estoy pensando nuevas cosas, como el concurso de cartas de amor para el cual recibimos más de 2.700", cuenta.
Aunque advierte que "en nuestro país, las posibilidades de un gestor cultural dependen mucho de cuánto simpaticen los directivos de la empresa con la cultura" y observa que no hay una ley de mecenazgo que permita desgravar impuestos en función del patrocinio de actividades culturales.
Para Pablo Puiggari, de Petrobras, "las empresas van entendiendo la importancia de incluir a la cultura como parte de su responsabilidad frente a la sociedad". Desde su anterior puesto de gerente de Publicidad y Patrocinio, se ocupó del diseño del programa cultural que la empresa puso en marcha en 2004, con el objetivo de instalar y posicionar la marca en la Argentina.
"Queríamos desarrollar acciones que reflejaran que habíamos venido para quedarnos y que podíamos estar cerca de la gente. Elegimos la cultura sabiendo que no nos iba a dar masividad, ni el mismo retorno que una campaña de publicidad tradicional, sino como una especie de legado a la comunidad", señala. Y cita la reciente presentación del Diccionario de Autores Argentinos.
Fuente: Clarín Económico, Empleos & Recursos Humanos: Perfiles Laborales, junio 2007

   La cultura como medio para escuchar y ser escuchado, Por Inés Sanguinetti
   El arte es un espejo de las necesidades físicas y espirituales de la sociedad

¿Es el acceso al arte y la cultura un derecho, como la salud, la educación, el trabajo?
En realidad, el acceso al arte y la cultura es mucho más esencial porque es el que nos garantiza el ejercicio de los otros derechos. La posibilidad de expresión y participación nos instala como seres políticos.
La definición de nuevas leyes y nuevas reglas de juego provendrá básicamente de la modificación de los modos de producción cultural. Y éstos simplemente se verán transformados por el ingreso a la producción de personas en situación sistemática de exclusión.

¿Exclusión de qué? Principalmente exclusión del ingreso a la producción simbólica o la producción de nueva subjetividad, o más sencillamente aún, de "más ser". Esto es, justamente, lo que básicamente hace falta para llegar a la nueva humanidad que todos estamos necesitando. En el corazón de esta reparación radica el poder del arte para ser motor de la vida social.
La pobreza circunstancial no se llama exclusión. Puede ser tranquilamente el resultado de la vida económica. La pobreza como construcción, es decir, la necesidad de que muchos tengan poco o nada para que pocos tengan mucho es una construcción cultural y no una vicisitud de la vida económica. Esto se manifiesta en el campo del arte y la cultura como falta de acceso a la producción simbólica y sus circuitos de circulación para millones de personas de nuestra humanidad, lo cual tiene, como efecto, la reproducción de los círculos de pobreza y exclusión presente y futura.

¿Pensamos? ¿Sentimos? ¿Hacemos? ¿Conocemos? Los Centros Culturales Comunitarios que hemos creado en Crear Vale la Pena nacieron como espacios informales y precarios dedicados al arte. No nacieron como conservatorios de arte, sino como espacios abiertos para la transformación social a través del arte. Existen en los barrios pobres muchos más que son semilla de instituciones para el desarrollo cultural y que pocas veces llegan, en su fragilidad, a hacerse visibles para las instituciones oficiales de la cultura que deberían sustentarlas.
Estas se encuentran en nuestro país devaluadas en su condición de ámbitos para proponer alternativas en lo económico o social, ya que en la Argentina el arte es visto, por quienes deben diseñar las políticas culturales, como un bien suntuario de elites o una expresión de folklore poco vinculada con la producción de nuestros sentidos sociales contemporáneos.
La experiencia del programa de Crear Vale la Pena y la de todas las maravillosas organizaciones que son parte de la Red Latinoamericana Arte y Transformación Social, que Avina (asociación internacional que apoya estas iniciativas) ha contribuido a fortalecer y las miles que proliferan en el mundo dan cuenta de que la función del arte es y será la de clarificar e iluminar nuestra experiencia colectiva presente, pasada y futura.
Seguramente, la difusión de las producciones artísticas desarrolladas en el marco de programas de transformación social hacia la equidad ayudará a comprender los alcances de una voluntad colectiva que impulsa la idea de hacer política como quien hace arte y hacer arte como quien construye políticas.
La autora es presidenta de Crear Vale la pena. Informes: 4700-1600 / 4708-0742

Vale la pena crear
Crear Vale la Pena (CVLP) trabaja en la comunidad desde 1993, generando programas de integración social para jóvenes a través de actividades artísticas. Cuenta con dos Centros Culturales Comunitarios -uno está en Boulogne, otro en Beccar, provincia de Buenos Aires-, en los que se dictan talleres y se capacitan animadores socioculturales, artistas, técnicos y profesores. La entidad, formada por un equipo de 14 personas -80 voluntarios colaboran anualmente en las diversas actividades que se desarrollan-, integra la Red Latinoamericana Arte y Transformación Social, formada por 25 ONG de Brasil, la Argentina, Bolivia, Perú y Chile.
Hasta el momento participaron en sus programas 5400 personas y 600 alumnos. La institución fue declarada de interés municipal y nacional en la Argentina y reconocida como Buena Experiencia para Repetir en otros Países por la Asociación de Investigación sobre Temas Iberoamericanos.
Fuente: Suplemento Solidario 22 de abril de 2006

    Recuperar la memoria cultural

Por tercer año consecutivo, el Concurso Rincón Gaucho en la Escuela, convoca a alumnos de escuelas rurales de todo el país, que se encuentren cursando el tercer ciclo de la EGB y el Polimodal (7° de primaria y 1° a 5° de secundaria). Esta es una propuesta conjunta del diario La Nación, la Fundación Cargill y el Ministerio de Educación, Ciencia y Tecnología.

Se busca estimular a los chicos a contar historias de sus pagos: el trabajo de los arrieros, la evolución de la agricultura y la ganadería, la llegada del ferrocarril y el movimiento económico y social de los pueblos, las culturas indígenas, los mitos y leyendas, los artesanos, los payadores... Se trata de dar prioridad a la palabra, oral y escrita, como un instrumento para trascender el lugar geográfico. De hecho, las notas que obtengan los primeros premios serán publicadas en el Rincón Gaucho del Suplemento Campo de La Nación y formarán parte de un libro que se distribuirá en todas las escuelas rurales de la Argentina.

Por otra parte, quienes resulten ganadores obtendrán un viaje a una zona turística del país, libros para sí, una biblioteca para la escuela y una donación en dinero que deberá destinarse a una obra de infraestructura considerada prioritaria por la comunidad educativa. Los docentes que guíen a losalumnos recibirán libros y una suscripción a La Nación por un año.

Para participar, los interesados deberán consultar las bases en
www.lanacion.com.ar  (Suplemento Campo); www.cargill.com   y  www.me.gov.ar

Hay tiempo de enviar los trabajos hasta el 22 de septiembre.
Fuente: ComunicaRSE, Junio de 2006
 

    "Los cuentos tradicionales transmiten valores que estimulan la reflexión infantil" Nicia Grillo,
     Entrevista a la narradora brasileña de fábulas y leyendas populares, por Alejandra Toronchik

Con su trabajo, los chicos aprenden sobre sus propias dificultades y fortalezas.
También estimula una buena lecto-comprensión y la capacidad creativa.

Nícia Grillo tiene una especialidad poco frecuente: cuenta cuentos. No es una actriz, ni una intérprete preocupada por embellecer sus narraciones. Ni elige cualquier clase de cuentos: sólo las leyendas populares transmitidas de generación en generación, los cuentos folclóricos de cualquier país, las fábulas y leyendas son, para ella, una precisa herramienta. Un trabajo para estimular en los chicos aspectos que cualquier maestro desearía en su clase: una buena lecto-comprensión, la capacidad de reflexión y expresión y la creatividad.

De paso por Buenos Aires, donde ofreció una charla junto con otros educadores, la brasilera Nícia de Queiroz Grillo contó a Clarín cómo funciona la escuela que ella misma creó en los años 80: la Escuela de Arte Granada.

Enclavada en la localidad de San Pedro, cerca de Río de Janeiro, allí se trabaja "con narraciones tradicionales, porque ellas guardan la memoria viva de cada pueblo. En ellas hay una cantidad de sabiduría acumulada a través de los siglos. Dentro de las narraciones originales circulan valores, modelos, información. Eso sí: usamos sólo las versiones tradicionales -advierte-. Porque las otras, las modernizadas, transmiten información adulterada".

Un ejemplo es el cuento de Cenicienta (que tiene más de 500 versiones alrededor del mundo), y que para Occidente termina cuando La Chica se casa con El Príncipe. "¡Muy consumista! Te enseña que si ya conseguiste un príncipe no te hace falta crecer, ni aprender, ni mejorar, ni hacer nada. ¡Pero las verdaderas historias no terminan ahí! La heroína o el héroe tienen que enfrentar muchísimas dificultades, volverse fuertes, enfrentar a personajes malos (que reflejan cosas que todos llevamos dentro). Y aprender, para recién entonces poder compartir la vida con un príncipe o una princesa verdaderos. Si no aprendió, si es ignorante o caprichoso, ¿qué puede hacerse con una pareja así?".

Para trabajar el precioso contenido de estos cuentos, Grillo fue impactada en los 70 por el concepto de educación por el arte, delineado por Herbert Read. Y que usa el texto, la música, la pintura, la expresión corporal, el teatro, los juegos, porque el ejercicio de estas disciplinas mejora la capacidad cognitiva de las personas.

"Para poder montar una obrita de teatro, para pintar o entonar, uno necesita desarrollar la observación, conocer sus cinco sentidos, usar su percepción, concentrarse, imaginar o reflexionar. Necesita ensayar, experimentar, descubrir, repetir: y esos son justamente los pasos de cualquier aprendizaje (ver Cómo trabajar con...)", explica.

Con unos 30 chicos de 3 a 7 años que pasan cada temporada por la escuela, profesores que han sido capacitados en estas técnicas y hasta adolescentes con quienes trabaja, específicamente, en la prevención de adicciones, Grillo consigue uno de sus objetivos centrales: "que los niños sientan pasión por aprender, que quieran saber siempre más".

Una manera de constatar el buen funcionamiento de esta tarea llega cuando los mismos chicos incluyen parte de los personajes o reflexiones de los cuentos en sus propios juegos.

"¡Se identifican con los personajes y hay que ver cómo discuten y opinan! -ríe Grillo-. Pero al reflexionar así sobre el cuento, aprenden a reflexionar sobre sí mismos. O adquieren ideas sobre cómo cambiar cosas en su vida: porque las historias muestran líneas de superación, solución de problemas, algunos recursos, ejemplos sobre amistad, solidaridad, saber elegir o entender el tiempo y el lugar adecuado para las cosas.

Los ejemplos son miles: "por ejemplo, los relatos bíblicos: cuando un niño tiene miedo ante algo que es muy grande, y se acuerda de David y el Gigante Goliath, sabe que una vez hubo un chico que tuvo fuerza, coraje y utilizó sus propios medios para superar las dificultades. Daniel en la Cueva de los leones, es un niño que no tuvo vergüenza de su propia opinión en una época en que estaba prohibido pensar como él. Al narrárselas, los vamos llenando de esos términos de referencia, que usarán cuando los necesiten: ¡es como tener plata en el banco!- concluye-. Y los apoyamos no para que se conviertan necesariamente en artistas, sino en personas que sepan mirar, respetar la naturaleza, reconocer la belleza, tocar a otro con habilidad, o conversar. Artistas no de una disciplina sino de su propia vida".
Fuente  Clarín, 15 de enero de 2006

   La experiencia en la Argentina: Mariana Fernández

Mariana Fernández se formó en la Escuela de Arte Granada y en la Fundación Girasol, donde los principios de Grillo se aplican en la prevención y recuperación de adicciones. Además, enseña escuelas humildes y da talleres para docentes en el Centro de Investigación Educativa (CIE), en el partido de Esteban Echeverría. "Partimos de la hipótesis de que las historias nos dan herramientas o determinan decisiones que tomamos al crecer".

Fernández relata un ejemplo de su experiencia con un quinto grado de una escuelita en la localidad de 9 de julio, con chicos que tenían profundos problema de expresión oral y escrita.

"Trabajamos el cuento del hombre que se repetía a sí mismo que tenía mala suerte. Tan convencido, tanto lo repetía, que finalmente todo le salía mal. Y estos chicos hacían lo mismo: se repetían a sí mismos no puedo, no sé, no consigo, me da vergüenza -relata-. En el cuento se dieron cuenta de lo que hacía el personaje. No necesitamos decirles: '¿ven? Ustedes son como él'. Simplemente lo contamos, diferenciamos las acciones, personajes, lugares. Y el cuento, como entra por otra vía, ellos no reaccionan como reaccionan siempre y pueden salirse del padrón habitual". Ante el asombro de sus docentes, chicos que casi no hablaban peleaban por contar su versión, sin omitir detalle.

Según Fernández -quien también enseña en el Instituto Municipal de Educación por el Arte (IMEPA) de Avellaneda- "a través de la metáfora los chicos elaboran cosas difíciles de trabajar de manera directa".

Y relata la historia de una nena con mutismo selectivo, que pedía que le repitieran el cuento de una chica que podía transformarse en árbol. "Un joven la vio y se enamoró de ella y le pidió que se transformara en ese árbol tan bello, que él, en su ansiedad, se acercó y rompió ramas y flores que dañaron el árbol y, por lo tanto a la muchacha. El joven tuvo que hacer un viaje donde aprendió muchas cosas y consiguió una pócima para curar al árbol. Y recién entonces pudo volver con su amada. Esa niña volvió a hablar. Y lo primero que dijo es que ella se sentía parecida al árbol".

   Cómo trabajar con los chicos

Algunas de las claves de su trabajo son:

"Nosotros trabajamos un mismo cuento durante semanas, o un mes entero, tomando distintos aspectos de cada historia. Los chicos los dibujan, hacen collage, teatro, le ponen música, hacemos un librito entre todos, expresión corporal, o cerámica. O lo que ellos propongan. Y luego acompañamos la reflexión: ¿Qué piensan de este personaje? ¿Por qué hizo tal cosa?

"Nos preocupa el analfabetismo funcional: esa gente que sabe leer y escribir pero que no comprende lo que lee, y arrastra eso hasta la universidad. Entonces les pedimos que digan algo sobre la palabra 'magnánimo', por ejemplo, que aparece en un cuento. Y buceamos adentro".

"Hay gente que confunde obediencia con sumisión. O tienen prejuicios sobre palabras como inocencia, familia, niño, princesa, viejos, pueblo... ¡Hay quien no le gusta la palabra aprender, porque le enseñaron que es humillante no saber! Entonces, hay que limpiar, restaurar las ideas.
Fuente: Clarín, 15 de Enero de 2006

   "La riqueza cultural del mundo reside en su diversidad dialogante"

La Declaración Universal de la UNESCO sobre la Diversidad Cultural se aprobó por unanimidad en una coyuntura muy singular: acababan de producirse los acontecimientos del 11 de septiembre de 2001 y la 31ª reunión de la Conferencia General de la UNESCO constituía el primer gran encuentro de nivel ministerial después de aquel día aciago.
Ello brindó a los Estados la ocasión de reafirmar su convicción de que el diálogo intercultural es el mejor garante de la paz, y de rechazar categóricamente la tesis que auguraba un choque ineluctable entre las culturas y civilizaciones.
Un instrumento de esta envergadura es algo novedoso para la comunidad internacional.
En él se eleva la diversidad cultural a la categoría de "patrimonio común de la humanidad", "tan necesaria para el género humano como la diversidad biológica para los organismos vivos", y se erige su defensa en imperativo ético indisociable del respeto de la dignidad de la persona.
La Declaración aspira a preservar ese tesoro vivo, y por lo tanto renovable, que es la diversidad cultural, diversidad que no cabe entender como patrimonio estático sino como proceso que garantiza la supervivencia de la humanidad; aspira también a evitar toda tentación segregacionista y fundamentalista que, en nombre de las diferencias culturales, sacralice esas mismas diferencias y desvirtúe así el mensaje de la Declaración Universal de Derechos Humanos.
La Declaración insiste en el hecho de que cada individuo debe reconocer no sólo la alteridad en todas sus formas sino también el carácter plural de su propia identidad dentro de sociedades igualmente plurales. Sólo así es posible conservar la diversidad cultural en su doble dimensión de proceso evolutivo y fuente de expresión, creación e innovación. De esta manera queda superado el debate entre los países que desean defender los bienes y servicios culturales "que, por ser portadores de identidad, valores y sentido, no deben ser considerados mercancías o bienes de consumo como los demás", y los que esperaban fomentar los derechos culturales, pues la Declaración conjuga esas dos aspiraciones complementarias poniendo de relieve el nexo causal que las une: no puede existir la una sin la otra.
La Declaración, que se acompaña de las grandes líneas de un plan de acción, puede convertirse en una formidable herramienta de desarrollo, capaz de humanizar la mundialización. Desde luego, en ella no se prescriben acciones concretas sino que se formulan más bien orientaciones generales que los Estados Miembros, en colaboración con el sector privado y la sociedad civil, deberían traducir en políticas innovadoras en su contexto particular.
Esta Declaración, que a la cerrazón fundamentalista opone la perspectiva de un mundo más abierto, creativo y democrático, se cuenta desde ahora entre los textos fundadores de una nueva ética que la UNESCO promueva en los albores del siglo XXI. Mi deseo es que algún día adquiera tanta fuerza como la Declaración Universal de Derechos Humanos.
Koichiro Matsuura
Director General

La Conferencia General

Reafirmando su adhesión a la plena realización de los derechos humanos y de las libertades fundamentales proclamadas en la Declaración Universal de Derechos Humanos y en otros instrumentos universalmente reconocidos, como los dos Pactos Internacionales de 1966 relativos uno a los derechos civiles y políticos y el otro a los derechos económicos, sociales y culturales,
Recordando que en el Preámbulo de la Constitución de la UNESCO se afirma "(...) que la amplia difusión de la cultura y la educación de la humanidad para la justicia, la libertad y la paz son indispensables a la dignidad del hombre y constituyen un deber sagrado que todas las naciones han de cumplir con un espíritu de responsabilidad y de ayuda mutua",
Recordando también su Artículo primero que asigna a la UNESCO, entre otros objetivos, el de recomendar "los acuerdos internacionales que estime convenientes para facilitar la libre circulación de las ideas por medio de la palabra y de la imagen",
Refiriéndose a las disposiciones relativas a la diversidad cultural y al ejercicio de los derechos culturales que figuran en los instrumentos internacionales promulgados por la UNESCO,1
Reafirmando que la cultura debe ser considerada como el conjunto de los rasgos distintivos espirituales y materiales, intelectuales y afectivos que caracterizan a una sociedad o a un grupo social y que abarca, además de las artes y las letras, los modos de vida, las maneras de vivir juntos, los sistemas de valores, las tradiciones y las creencias,2
Constatando que la cultura se encuentra en el centro de los debates contemporáneos sobre la identidad, la cohesión social y el desarrollo de una economía fundada en el saber,
Afirmando que el respeto de la diversidad de las culturas, la tolerancia, el diálogo y la cooperación, en un clima de confianza y de entendimiento mutuos, están entre los mejores garantes de la paz y la seguridad internacionales,
Aspirando a una mayor solidaridad fundada en el reconocimiento de la diversidad cultural, en la conciencia de la unidad del género humano y en el desarrollo de los intercambios culturales,
Considerando que el proceso de mundialización, facilitado por la rápida evolución de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación, pese a constituir un reto para la diversidad cultural, crea las condiciones de un diálogo renovado entre las culturas y las civilizaciones, Consciente del mandato específico que se ha dado a la UNESCO, en el seno del sistema de las Naciones Unidas, consistente en asegurar la preservación y la promoción de la fecunda diversidad de las culturas

   Proclama los principios siguientes y aprueba la presente Declaración:

1. Entre los cuales figuran,en particular,
el Acuerdo de Florencia de 1950 y su Protocolo de Nairobi de 1976,
la Convención Universal sobre Derechos de Autor de 1952,
la Declaración de los Principios de Cooperación Cultural Internacional de 1966,
la Convención sobre las Medidas que Deben Adoptarse para Prohibir e Impedir la Importación,
la Exportación y la Transferencia de Propiedad Ilícitas de Bienes Culturales de 1970,
la Convención para la Protección del Patrimonio Mundial Cultural y Natural de 1972,
la Declaración de la UNESCO sobre la Raza y los Prejuicios Raciales de 1978,
la Recomendación relativa a la condición del artista de 1980
y la Recomendación sobre la salvaguardia de la cultura tradicional y popular de 1989.

2. Definición conforme a las conclusiones
de la Conferencia Mundial sobre las Políticas Culturales (MONDIACULT, México, 1982),
de la Comisión Mundial de Cultura y Desarrollo (Nuestra Diversidad Creativa, 1995)
y de la Conferencia Intergubernamental sobre Políticas Culturales para el Desarrollo (Estocolmo, 1998).


  IDENTIDAD, DIVERSIDAD Y PLURALISMO

ARTÍCULO 1 La diversidad cultural, patrimonio común de la humanidad
La cultura adquiere formas diversas a través del tiempo y del espacio. Esta diversidad se manifiesta en la originalidad y la pluralidad de las identidades que caracterizan los grupos y las sociedades que componen la humanidad. Fuente de intercambios, de innovación y de creatividad, la diversidad cultural es, para el género humano, tan necesaria como la diversidad biológica para los organismos vivos. En este sentido, constituye el patrimonio común de la humanidad y debe ser reconocida y consolidada en beneficio de las generaciones presentes y futuras.

ARTÍCULO 2 De la diversidad cultural al pluralismo cultural.
En nuestras sociedades cada vez más diversificadas, resulta indispensable garantizar una interacción armoniosa y una voluntad de convivir de personas y grupos con identidades culturales a un tiempo plurales, variadas y dinámicas. Las políticas que favorecen la inclusión y la participación de todos los ciudadanos garantizan la cohesión social, la vitalidad de la sociedad civil y la paz. Definido de esta manera, el pluralismo cultural constituye la respuesta política al hecho de la diversidad cultural. Inseparable de un contexto democrático, el pluralismo cultural es propicio a los intercambios culturales y al desarrollo de las capacidades creadoras que alimentan la vida pública.

ARTÍCULO 3 La diversidad cultural, factor de desarrollo.
La diversidad cultural amplía las posibilidades de elección que se brindan a todos; es una de las fuentes del desarrollo, entendido no solamente en términos de crecimiento económico, sino también como medio de acceso a una existencia intelectual, afectiva, moral y espiritual satisfactoria.

   DIVERSIDAD CULTURAL Y DERECHOS HUMANOS

ARTÍCULO 4 Los derechos humanos, garantes de la diversidad cultural
La defensa de la diversidad cultural es un imperativo ético, inseparable del respeto de la dignidad de la persona humana. Ella supone el compromiso de respetar los derechos humanos y las libertades fundamentales, en particular los derechos de las personas que pertenecen a minorías y los de los pueblos autóctonos. Nadie puede invocar la diversidad cultural para vulnerar los derechos humanos garantizados por el derecho internacional, ni para limitar su alcance.

ARTÍCULO 5 Los derechos culturales, marco propicio de la diversidad cultural
Los derechos culturales son parte integrante de los derechos humanos, que son universales, indisociables e interdependientes. El desarrollo de una diversidad creativa exige la plena realización de los derechos culturales, tal como los define el Artículo 27 de la Declaración Universal de Derechos Humanos y los Artículos 13 y 15 del Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales. Toda persona debe, así, poder expresarse, crear y difundir sus obras en la lengua que desee y en particular en su lengua materna; toda persona tiene derecho a una educación y una formación de calidad que respete plenamente su identidad cultural; toda persona debe poder participar en la vida cultural que elija y ejercer sus propias prácticas culturales, dentro de los límites que impone el respeto de los derechos humanos y de las libertades fundamentales.

ARTÍCULO 6 Hacia una diversidad cultural accesible a todos
Al tiempo que se garantiza la libre circulación de las ideas mediante la palabra y la imagen, hay que procurar que todas las culturas puedan expresarse y darse a conocer. La libertad de expresión, el pluralismo de los medios de comunicación, el multilingüismo, la igualdad de acceso a las expresiones artísticas, al saber científico y tecnológico -comprendida su forma electrónica- y la posibilidad, para todas las culturas, de estar presentes en los medios de expresión y de difusión, son los garantes de la diversidad cultural.

   DIVERSIDAD CULTURAL Y CREATIVIDAD

ARTÍCULO7 El patrimonio cultural, fuente de la creatividad
Toda creación tiene sus orígenes en las tradiciones culturales pero se desarrolla plenamente en contacto con otras. Esta es la razón por la cual el patrimonio, en todas sus formas, debe ser preservado, valorizado y transmitido a las generaciones futuras como testimonio de la experiencia y de las aspiraciones humanas, a fin de nutrir la creatividad en toda su diversidad e instaurar un verdadero diálogo entre las culturas.

ARTÍCULO8 Los bienes y servicios culturales, mercancías distintas de las demás
Frente a los cambios económicos y tecnológicos actuales, que abren vastas perspectivas para la creación y la innovación, se debe prestar una atención particular a la diversidad de la oferta creativa, a la justa consideración de los derechos de los autores y de los artistas, así como al carácter específico de los bienes y servicios culturales que, en la medida en que son portadores de identidad, de valores y sentido, no deben ser considerados como mercancías o bienes de consumo como los demás.

ARTÍCULO 9 Las políticas culturales, catalizadoras de la creatividad
Las políticas culturales, en tanto que garantizan la libre circulación de las ideas y las obras, deben crear condiciones propicias para la producción y difusión de bienes y servicios culturales diversificados, gracias a industrias culturales que dispongan de medios para desarrollarse en los planos local y mundial. Cada Estado debe, respetando sus obligaciones internacionales, definir su política cultural y aplicarla, utilizando para ello los medios de acción que juzgue más adecuados, ya se trate de apoyos concretos o de marcos reglamentarios apropiados.

DIVERSIDAD CULTURAL Y SOLIDARIDAD INTERNACIONAL

ARTÍCULO 10 Reforzar las capacidades de creación y de difusión a escala mundial
Ante los desequilibrios que se producen actualmente en los flujos e intercambios de bienes culturales a escala mundial, es necesario reforzar la cooperación y la solidaridad internacionales destinadas a permitir que todos los países, en particular los países en desarrollo y los países en transición, establezcan industrias culturales viables y competitivas en los planos nacional e internacional.

ARTÍCULO 11 Establecer relaciones de asociación entre el sector público, el sector privado y la sociedad civil.
Las fuerzas del mercado por sí solas no pueden garantizar la preservación y promoción de la diversidad cultural, condición de un desarrollo humano sostenible. Desde este punto de vista, conviene fortalecer la función primordial de las políticas públicas, en asociación con el sector privado y la sociedad civil.

ARTÍCULO 12 La función de la UNESCO
La UNESCO, por su mandato y sus funciones, tiene la responsabilidad de:
a- promover la consideración de los principios enunciados en la presente Declaración en las estrategias de desarrollo elaboradas en el seno de las diversas entidades intergubernamentales;
b- constituir un instrumento de referencia y de concertación entre los Estados, los organismos internacionales gubernamentales y no gubernamentales, la sociedad civil y el sector privado para la elaboración conjunta de conceptos, objetivos y políticas en favor de la diversidad cultural;
c- proseguir su acción normativa y su acción de sensibilización y de desarrollo de capacidades en los ámbitos relacionados con la presente Declaración que corresponden a sus esferas de competencia;
d- facilitar la aplicación del Plan de Acción cuyas orientaciones principales se adjuntan en anexo de la presente Declaración.

Orientaciones Principales de un Plan de Acción para la Aplicación de la Declaración Universal de la UNESCO sobre la Diversidad Cultural

Los Estados Miembros se comprometen a tomar las medidas apropiadas para difundir ampliamente la Declaración de la UNESCO sobre la diversidad cultural y fomentar su aplicación efectiva, cooperando en particular con miras a la realización de los siguientes objetivos:

1 - Profundizar el debate internacional sobre los problemas relativos a la diversidad cultural, en particular los que se refieren a sus vínculos con el desarrollo y a su influencia en la formulación de políticas, a escala tanto nacional como internacional; profundizar en particular la reflexión sobre la conveniencia de elaborar un instrumento jurídico internacional sobre la diversidad cultural.

2 - Desarrollar la definición de los principios, normas y prácticas en los planos nacional e internacional, así como de los medios de sensibilización y las formas de cooperación más propicios a la salvaguardia y a la promoción de la diversidad cultural.

3 - Favorecer el intercambio de conocimientos y de las prácticas recomendables en materia de pluralismo cultural con miras a facilitar, en sociedades diversificadas, la inclusión y la participación de las personas y de los grupos que proceden de horizontes culturales variados.

4 - Avanzar en la comprensión y la clarificación del contenido de los derechos culturales, considerados como parte integrante de los derechos humanos.

5 - Salvaguardar el patrimonio lingüístico de la humanidad y apoyar la expresión, la creación y la difusión en el mayor número posible de lenguas.

6 - Fomentar la diversidad lingüística -respetando la lengua materna- en todos los niveles de la educación, dondequiera que sea posible, y estimular el aprendizaje del plurilingüismo desde la más temprana edad.

7 - Alentar, a través de la educación, una toma de conciencia del valor positivo de la diversidad cultural y mejorar, a este efecto, tanto la formulación de los programas escolares como la formación de los docentes.

8 - Incorporar al proceso educativo, tanto como sea necesario, métodos pedagógicos tradicionales, con el fin de preservar y optimizar los métodos culturalmente adecuados para la comunicación y la transmisión del saber.

9 - Fomentar la "alfabetización electrónica" y acrecentar el dominio de las nuevas tecnologías de la información y de la comunicación, que deben considerarse al mismo tiempo como disciplinas de enseñanza y como instrumentos pedagógicos capaces de reforzar la eficacia de los servicios educativos.

10 - Promover la diversidad lingüística en el espacio numérico y fomentar el acceso gratuito y universal, a través de las redes mundiales, a todas las informaciones que pertenecen al dominio público.

11 - Luchar contra las desigualdades en materia de electrónica -en estrecha cooperación con los organismos competentes del sistema de las Naciones Unidas- favoreciendo el acceso de los países en desarrollo a las nuevas tecnologías, ayudándolos a dominar las tecnologías de la información y facilitando a la vez la circulación electrónica de los productos culturales endógenos y el acceso
de dichos países a los recursos numéricos de orden educativo, cultural y científico, disponibles a escala mundial.

12 - Estimular la producción, la salvaguardia y la difusión de contenidos diversificados en los medios de comunicación y las redes mundiales de información y, con este fin, promover la función de los servicios públicos de radiodifusión y de televisión en la elaboración de producciones audiovisuales de calidad, favoreciendo en particular el establecimiento de mecanismos cooperativos que faciliten la difusión de las mismas.

13 - Elaborar políticas y estrategias de preservación y valorización del patrimonio cultural y natural, en particular del patrimonio oral e inmaterial, y combatir el tráfico ilícito de bienes y servicios culturales.

14 - Respetar y proteger los sistemas de conocimiento tradicionales, especialmente los de las poblaciones autóctonas; reconocer la contribución de los conocimientos tradicionales a la protección del medio ambiente y a la gestión de los recursos naturales, y favorecer las sinergias entre la ciencia moderna y los conocimientos locales.

15 - Apoyar la movilidad de creadores, artistas, investigadores, científicos e intelectuales y el desarrollo de programas y de asociaciones internacionales de investigación, procurando al mismo tiempo preservar y aumentar la capacidad creativa de los países en desarrollo y en transición.

16 - Garantizar la protección de los derechos de autor y de los derechos conexos, con miras a fomentar el desarrollo de la creatividad contemporánea y una remuneración justa del trabajo creativo, defendiendo al mismo tiempo el derecho público de acceso a la cultura, de conformidad con el Artículo 27 de la Declaración Universal de Derechos Humanos.

17 - Ayudar a la creación o a la consolidación de industrias culturales en los países en desarrollo y los países en transición y, con este propósito, cooperar en el desarrollo de las infraestructuras y las competencias necesarias, apoyar la creación de mercados locales viables y facilitar el acceso de los bienes culturales de dichos países al mercado mundial y a los circuitos de distribución internacionales.

18 - Elaborar políticas culturales que promuevan los principios inscritos en la presente Declaración, entre otras cosas mediante mecanismos de apoyo a la ejecución y/o de marcos reglamentarios apropiados, respetando las obligaciones
internacionales de cada Estado.

19 - Asociar estrechamente los diferentes sectores de la sociedad civil a la definición de las políticas públicas de salvaguardia y promoción de la Diversidad cultural.

20 - Reconocer y fomentar la contribución que el sector privado puede aportar a la valorización de la diversidad cultural y facilitar, con este propósito, la creación de espacios de diálogo entre el sector público y el privado. Los Estados Miembros recomiendan al Director General que al ejecutar los programas de la UNESCO tome en consideración los objetivos enunciados en el presente Plan de Acción, y que lo comunique a los organismos del sistema de las Naciones Unidas y demás organizaciones intergubernamentales y no gubernamentales interesadas, con miras a reforzar la sinergia de las medidas que se adopten en favor de la diversidad cultural.
Fuente UNESCO

   Entre el Fordismo y la inclusión de la diversidad por Cecilia Sánchez

Allá por el año 1932 el escritor británico Aldous Huxley escribía uno de sus libros de ficción más célebres, titulado "Un Mundo Feliz". La obra, que fue escrita en tono irónico, describía un mundo futurista en el que los individuos eran manipulados genéticamente desde su gestación para pertenecer a una casta determinada y cumplir un rol dentro de la sociedad. Ello, agregado a un continuo condicionamiento y la provisión de una droga denominada "Soma", hacía que los individuos de este mundo fueran felices.

Para que el proceso de condicionamiento de la comunidad fuera completo se habían creado cinco diferentes castas (Alfa, Beta, Gamma, Delta y Epsilon) a las que eran destinados los individuos gestados artificialmente para cumplir su rol en la sociedad. Los sujetos Alfa eran los que en la escala jerárquica ocupan los puestos de liderazgo intelectual y los Epsilon eran los que, en la última instancia, realizaban tareas más laboriosas. Sin embargo, a pesar de la división de clases, no existía la pobreza y en caso de que alguien se sintiera mal, la droga Soma suprimía esa sensación.

Lo interesante de esta obra, más allá de su poder de predicción en materia de genética (hay que reconocer que, a pesar de que los estudios en el tema no eran extraños en la década del 30, fue recién en 1953 que se descubrió la estructura del ADN), es la nueva religión creada por el autor: el Fordismo. Jesucristo es reemplazado por Henry Ford, el creador del método de construcción en serie.

La sociedad, el "Mundo Feliz", se construye en la fábrica. Se elimina la familia y la procreación natural. Todos los individuos de una casta son iguales, se visten con ropas del mismo color, esperan lo mismo, piensan de manera similar y no conocen la tristeza. En este "Mundo Feliz" imaginado por Huxley no existe la diversidad ni la pluralidad de culturas, etnias, de expresión, ni de elección.

Ciertos aspectos de nuestra vida moderna trascurren en circunstancias parecidas a las de la obra ficcional de Huxley. Los procesos se han automatizado y a veces resulta difícil distinguir las individualidades, inmersas en el mundo global.

Muchas de las visiones que predecían un desarrollo apocalíptico de la globalización vaticinaron una humanidad parecida a la descrita por Huxley, en la que las diferencias serían cada vez menores. Sin embargo, simultáneamente se observa también una exacerbación de lo local frente a la embestida de lo homogéneo.

Es decir, una tendencia a hacer valer lo propio frente a lo que es común para todos, como forma de revalorizar la identidad. En una América Latina que es el resultado del cruce de razas, de la variedad de pensamientos, si hay algo que nos caracteriza es la diversidad.

Aunque con frecuencia tememos a lo distinto, a lo desconocido. Y ese miedo genera, a su vez, prejuicios tanto negativos como positivos.

Así, la incapacidad de eliminar ese temor nos lleva a discriminar aquello/s que no conocemos. Se trata de un mecanismo de economicidad, puesto que sería físicamente imposible conocer a todo el mundo -por más que nos lo propusiéramos-. Entonces elegimos basarnos en lo que "se dice" acerca de otros. En este orden se inscriben los prejuicios que hablan de una supuesta avaricia en los judíos; la incapacidad de manejar de las mujeres, y así sucesivamente.

La generalización y los estereotipos nos relevan de la tarea de conocer a los portadores de esas calificaciones, cuando muchas veces ello nos haría comprobar lo equivocado de nuestro pensamiento.

Estas situaciones son trasladables al mundo laboral. Las empresas son lugares donde se ven reflejadas las actitudes de las personas hacia diversos temas. En lo que concierne a este tema, las compañías tienen el deber ético de combatir toda forma de discriminación y de hacer valer la diversidad étnica, cultural, de quienes allí trabajan. A menudo, con pequeños detalles podemos hacer la diferencia. ¿Tiene su empresa políticas firmes que aseguren la no discriminación de mujeres, personas con capacidades diferentes, personas de más de 45 años, homosexuales, ex convictos? ¿Su empresa ofrece el mismo salario a una mujer que a un hombre en cargos idénticos? Preguntas que pueden encontrar fácil respuesta y solución, cuando por detrás hay convicción en los tomadores de decisiones.

Frente a ciertos retrocesos actuales de la humanidad (por caso, hoy se construye un muro entre Estados Unidos y México para contener a los desesperados inmigrantes ilegales que huyen en busca de empleo y una vida mejor), sería interesante poder concebir un mundo donde se fomente el respeto hacia el otro, la tolerancia, el diálogo y la inclusión en vez de la discriminación.

*Cecilia Sánchez pertenece al Área de Comunicaciones del IARSE, Fuente IARSE

   "Para entendernos, convertimos la realidad en estereotipos"
   Entrevista a Miguel Rojas Mix*, por Claudio Martyniuk.

Todas las culturas necesitan imágenes para contar su singularidad. Los emblemas nacionales, las caricaturas o la publicidad son signos que condensan los rasgos de identidad de cada sociedad.

Las imágenes están ocupando un lugar de creciente importancia en la sociedad. ¿Se trata de un fenómeno nuevo?
-La civilización de la imagen existió siempre. Basta ver que hay determinadas culturas que conocemos casi exclusivamente a través de la imagen. Sabemos más de las culturas egipcia, mesopotámica y precolombina a través de la imagen que por textos. Claro que también es necesario hallar las visiones del mundo que sustentan las imágenes para poder entenderlas.

¿Por ejemplo?
-En Chichén Itzá hay un fresco que muestra un paisaje, una serie de personajes y un río donde se ven tres canoas. Se la ha descrito como la imagen de un pueblo, pero cuando uno entra en la gramática formal del mundo precolombino se da cuenta de que no es un cuadro sino que es un viaje, y que los personajes que están en el pueblo atraviesan distintas etapas de su viaje. Las canoas no son tres canoas distintas, sino la misma, que está avanzando en el río en diferentes momentos. Esa cultura -a diferencia de la occidental renacentista- cuando hace una imagen introduce el tiempo. Por eso, la lectura a la cual debemos someter una imagen tiene que partir de los códigos de representación que esa cultura utilizó.

Pero la dimensión social no es la única del imaginario, ¿o sí?
-Cuando yo hablo de imaginario, hablo también del imaginario mental. Así, por ejemplo, el amor es un imaginario. A veces, el imaginario amoroso hace que la realidad amorosa sea decepcionante. El mundo está formado por una serie de imaginarios que no son muy distintos de la ideología, pero que no se oponen a la verdad -cosa que sí hace la ideología- porque no la buscan. La imagen no pretende ser verdad, pretende ser verosímil. Por eso muchas veces es más seductora que la palabra.

Y la fuerza de seducción, ¿qué vehículo dominante utiliza?
-Hoy en día, el mayor canal de seducción es la publicidad. Es que si yo quiero vender, primero tengo que seducir. Ahora, seducir no es solamente la provocación luciferina. Es también atraer para permitir percibir. Si yo quiero comprar algo, antes tengo que percibirlo, distinguirlo. En una publicidad de Benetton aparecía un enfermo de sida. ¿Qué es lo que le interesaba al publicitario? Buscaba que la imagen fuera tan fuerte y chocante que atrajera la atención. Se veía esa imagen y luego la marca, haciéndola inolvidable.

¿Hasta dónde se puede llegar para crear visibilidad?
-Se han hecho cosas que están en el límite de lo que podría ser calificado como obsceno. Una fábrica de ropa, en Chile, hizo una campaña de moda tomando poses de mujeres torturadas. Por otro lado, hay extremos positivos: en la lucha contra el racismo, por ejemplo, darle visibilidad a la negritud es generar ideas sobre ella.

¿Qué fuerza de seducción ejercen los emblemas nacionales?
-Los emblemas nacionales son símbolos de reconocimiento y, a menudo, de promesas. El emblema le promete a la nación algo y genera un discurso de identidad. Hugo Chávez acaba de agregarle una estrella más a la bandera venezolana. En el escudo nacional había un caballo que galopaba hacia la derecha, con el cuello dado vuelta hacia la izquierda. Chávez lo dio vuelta y lo hizo galopar hacia la izquierda. Hizo un juego de manipulación de los emblemas para que sustentaran su línea política.

Hoy el reconocimiento nacional es perceptible ante otro emblema: la camiseta de fútbol.
-Es un hecho. No hay nada que active más el sentimiento nacional que once hombres con una camiseta que en un campo de fútbol se están enfrentando a otros once con otra camiseta. La importancia que puede tener el fútbol para el sentimiento nacionalista es notable.

Se suele acusar a las imágenes de manipulación. ¿Coincide?
-Las imágenes resumen, como también lo hace la palabra, todos los aspectos de la cultura. Eso implica que no son sólo manipulación, pero tienen un elemento de manipulación importante. Nada de esto niega que son documentos de primer orden que condensan la identidad y reflejan el espíritu de un pueblo. ¿Sabe que ahora tengo interés en hacer un ensayo sobre Ortega y Gasset y Divito?

¿Qué relación encuentra entre ellos?
-Ambos trabajaron con imágenes -con estereotipos- con distinta suerte. Guillermo Divito hizo una revista de caricaturas extraordinaria, Rico Tipo, con personajes como el doctor Merengue y Pura Pinta, que son prototipos del porteño. Y Ortega escribió Meditación de un pueblo joven, donde también desarrolla el imaginario del porteño a través de estereotipos. El tiene la idea de que, como pueblo joven, Argentina no tiene un presente, pero va a tener un futuro; uno de los grandes mitos que los argentinos han pagado caro. Ortega llega a la siguiente conclusión: "Argentina, como pueblo joven, tendrá grandes gobernantes, pero no tendrá grandes escritores". Conclusión más errada es difícil de encontrar.

La cultura de masas, tan basada en imágenes, ¿es chata y reiterativa o puede ser el germen de saberes e innovaciones?
-Sin duda, es germen de innovaciones, de nuevas visiones del mundo y de nuevos lenguajes.

¿Aún en la globalización?
-Aún en ella. Porque la sociedad globalizada apunta a masificar a través de un discurso esencialmente icónico. La imagen es un discurso más comprensible que la palabra, en la medida en que haya una base común para entenderla. Pero es cierto que la cultura de masas puede jugar diversos papeles. El imaginario cotidiano es fundamental para el conocimiento, y esto me hace tener una gran desconfianza hacia la exterioridad interpretativa de los especialistas que desde fuera de nuestra región la interpretan y brindan recetas. El conocimiento necesita dos componentes para que se proyecte sobre la realidad: erudición y familiaridad. La erudición sin familiaridad hace llegar a conclusiones que son abstractas y erróneas, porque se aplica una fórmula para entender algo, y a veces esa fórmula no tienen nada que ver con la particularidad de un grupo. Y la familiaridad nace, fundamentalmente, de la cultura de masas: es la que permite comprender una serie de signos que tienen que ver con cómo piensa el argentino, con cómo se vive en Buenos Aires, con los códigos que se tienen aquí.

¿Así no estaríamos quedando atrapados en estereotipos?
-¡Pero si nosotros, para poder entendernos, vivimos convirtiendo la realidad en estereotipos! Lo nacional es un estereotipo, igual que en general lo es la visión del mundo. Del gaucho sale lo gauchesco, un sentimiento. Lo mismo ocurre con el compadrito y el tango, es decir, con una serie de figuras que en realidad son estereotipos. Por cierto, el estereotipo es una falacia: no es mentira, pero no es absolutamente cierto. Nadie es igual al estereotipo, que es una especie de caricatura, pero gran parte de la cultura está basada en los estereotipos y funciona por ellos.

En la construcción de estereotipos, ¿qué papel tienen los medios de comunicación?
-La televisión, el cine y los nuevos medios funcionan creando estereotipos. Por ejemplo, los estereotipos de la moda crean el estereotipo del hombre elegante. Así también hasta se legitiman guerras. Cuando Bush dice "vamos a luchar contra las fuerzas del mal", recurre a un estereotipo. Su discurso no parece tomado de Clausewitz, el teórico de la guerra, sino de Superman y de Batman. Vivimos en una selva de estereotipos.

¿Qué puede hacer la razón ante esto?
-El pensamiento crítico tiene que enseñar a establecer criterios de pertinencia y de relevancia. La sociedad de la información es un mar de datos en el cual todos nos ahogamos si no sabemos seleccionar. Para hacerlo, es necesario tener criterios de pertinencia y relevancia. Se necesitan para saber qué conviene a nuestra identidad y a nuestro futuro, para saber qué identidad les vamos a trasmitir a nuestros hijos. Estos criterios tienen que surgir de una conciencia, de un desarrollo de nuestra cultura, que nos permita mantenernos como ciudadanos del mundo y como ciudadanos de la región. Si la globalización es el Pato Donald, Mafalda es nuestra identidad.

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La imagen construye ideas. ...     La revolución es visual

"La primera forma de comunicación de los hombres fue a través de dibujos", explica Rojas Mix.
"Y no sólo imágenes de objetos concretos -un dibujo de conejo que representa, justamente, a un conejo-, sino también de conceptos abstractos. Por ejemplo, en las escrituras mayas la lluvia es una culebra. En cambio, una idea más compleja, la sequía, se hacía atravesando con una flecha la culebra, representando la negación, la falta de agua. En el imaginario hay un discurso que permite que los hombres se comuniquen y que ha coexistido con la cultura alfabética. Los griegos pensaban que el principal órgano de comunicación del hombre era el ojo y no la lengua.

En la actualidad estamos viviendo una revolución, pasando de una cultura verbal y alfabética a una cultura cada vez más visual. Es decir, que cada vez sabemos más, no por leer, sino por ver. A pesar de esto, suele desvalorizarse el conocimiento visual. Hoy en día prácticamente no hay universidades en las que haya cursos sobre temas de cultura visual. Cada vez será más necesario estudiar y analizar el conocimiento visual."

*Miguel Rojas Mix, es filósofo e historiador chileno,  71 años.
Doctor en Filosofía (Universidades de Colonia, Alemania, y la Sorbona, Francia).
Responsable de la Cátedra UNESCO de "Comunidad Iberoamericana" y Director del Centro Extremeño de Estudios y Cooperación con Iberoamérica (CEXECI).
Su libro más reciente es "El imaginario. Civilización y cultura del siglo XXI", (Prometeo libros, Buenos Aires, 2006).
Fuente  Clarín 4 de junio de 2006   

   Cómo transformar la vocación en negocio, Silvia Rodiño y Nicolás Morazzo. 

Todas las formas del arte son espacios de libertad que no sólo crean belleza. También pueden crear recursos económicos. No casualmente las industrias culturales son el segundo generador de servicios para el país, después del turismo. En el actual contexto, hay espacio para más jugadores. 

"Uno hace lo que le gusta y se muere de hambre o hace lo que no le gusta y se muere de angustia". Esta frase hecha, que se repite, una y otra vez, en la primera clase de la mayoría de cursos dedicados a alguna disciplina artística que se dictan en el país, es un modo directo y elegante de prevenir a los aspirantes que sueñan con el estrellato inmediato. Pero también apela a un prejuicio de larga data: que la música, la pintura, la literatura o el teatro no son actividades económicamente rentables.
Como toda frase hecha, ésta encierra algo de verdad y mucho de fantasía. Muchos artistas y emprendedores, seguros de su talento y de la calidad de su producción, construyen y desarrollan negocios sustentables. Eso sí, la mayoría de las veces tienen que luchar contra viento y marea para lograrlo, impulsados por la convicción de que tienen algo que aportar al mundo.
"Los protagonistas vitales de la producción cultural, los creadores, muchas veces no ven en su actividad vinculación alguna con lo mercantil, que se expresa en algún caso en la idea -casi ingenua- del artista creando por fuera de toda determinación económica y social", advierte el dossier de Economía y Cultura 2004 de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
Sin embargo, el conjunto de las industrias culturales aportan cerca del 3% del producto bruto argentino y el 6% del producto bruto geográfico de la Ciudad de Buenos Aires. En el mercado externo, se calcula para Capital -según datos de 2003- un valor FOB de US$ 8 millones en lo referente a las exportaciones del sector. "La cultura es una oportunidad", afirma Gustavo López, al frente de la Secretaria de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, y asegura que "es necesario fortalecer al sector de la creación en su totalidad; un nicho muy importante para quienes realmente tienen talento".
Sin lugar a dudas, una de las historias más exitosas de emprendimientos en el mundo de la cultura es la compañía de teatro De La Guarda y su actual reencarnación, Fuerza Bruta. 

De exportación
Este nuevo proyecto de Diqui James es una reformulación de los elementos que llevaron a la obra Villa Villa de De La Guarda a triunfar no sólo en los escenarios nacionales, sino también en las principales capitales mundiales de la cultura: Nueva York, Londres y Amsterdam, entre otras.
"Es un tipo de show que se fue formando de grupo en grupo. Primero fueron La Organización Negra a fines de los '80, luego De La Guarda y ahora Fuerza Bruta. Cada uno tiene características distintas, pero en los tres la participación del público es muy alta durante el show. Son espectáculos que pasan dentro de la gente y la gente está de pie", explica su productor ejecutivo, Fernando Moya.
Con un presupuesto menor al que tenían con De La Guarda, Diqui James, Gaby Kerpel, Alejandro García y Fabio D'Aquila desarrollaron el proyecto durante dos años. En noviembre de 2004 se sumó Moya para hacerse cargo de la producción ejecutiva y "buscar el lugar donde presentar el show, sponsors y todo lo que siguió a partir del estreno, en abril de este año".
Cuando Fuerza Bruta todavía estaba en estado embrionario, comenzó la búsqueda de auspiciantes que hicieran posible la ambiciosa y deslumbrante puesta en escena. "Nuestra empresa, Ozono Producciones, es un desprendimiento de Rock & Pop Internacional y Pablo Kholuber lleva el departamento comercial; él se encargó de mostrar el espectáculo en formación a los sponsors", explica Moya.
"Ellos hacen un aporte de dinero importante -agrega- y eso nos permite soportar el alto costo de la puesta a punto, más de $ 450.000, y una parte del costo del montaje. Nosotros, a cambio, los participamos en la campaña publicitaria. Les damos funciones especiales y beneficios para sus clientes, presencia en el lugar del show y demás temas de contacto directo con el público".
Incluso, reconoce Moya, "por más que lo hayan visto alrededor de 65.000 personas, sin el aporte de los sponsors hubiera sido imposible montar este espectáculo en la Argentina, por el bajo nivel de precios de las entradas. Y eso que la Secretaría de Cultura nos ayudó con el predio donde se montó la carpa".
En el exterior, los números son otra cosa. En Lisboa, Portugal, donde Fuerza Bruta se está presentando actualmente, "pueden recaudar unos 150.000 euros por semana o más -asegura Moya-, dependiendo de la convocatoria y el precio de las entradas, que rondan los 25 ó 30 euros según el día y pueden llegar a 40 los sábados por la noche".
Los shows en Lisboa comenzaron a gestionarse en nuestro país. Durante el período en que Fuerza Bruta, se presentó en Buenos Aires, empresarios de Portugal, Inglaterra, España, Japón, Austria, Holanda, Alemania, México, Venezuela, Chile, Uruguay y Paraguay vieron el espectáculo. "Cuando hay un nuevo proyecto de alguien con reputación, la gente se moviliza. Ahora en Lisboa estamos esperando interesados de Inglaterra, España, Canadá, Estados Unidos y Corea", enumera Moya.
Sin embargo, el productor de Fuerza Bruta no deja de reconocer que es muy difícil exportar un show de estas características desde nuestro país: "Si las performances, las críticas y la recaudación son buenas, es más fácil; eso ayuda a concretar los negocios. Pero lo más importante es el trabajo que durante más de diez años ha hecho Diqui James fuera de Argentina, montando espectáculos con De La Guarda".

Juana Molina: a su manera
Pero la receta que llevó al éxito a unos no siempre es redituable para todos. En la cultura no hay fórmula mágica que valga. El camino que llevó a Juana Molina a ganar primero reconocimiento público en Estados Unidos, Japón y Europa, y recién después en nuestro país, está plagado de particularismos que rompen los supuestos esquemas que asegurarían el éxito en el turbulento mundo de la música contemporánea.
"Fue un camino largo y tortuoso, después de haber sufrido el abandono e indiferencia de una multinacional y de ser decepcionados por sellos independientes más pequeños, decidimos tomar el toro por las astas y comenzar una pequeña empresa familiar", cuenta Federico Mayol, marido y manager de la ex comediante.
Los discos son grabados, mezclados y producidos por Molina en su casa y fabricados bajo su control. En Argentina, son distribuidos por empresas independientes -Aqua Records y Soy Rock-; en Estados Unidos, Europa, Australia, Sudáfrica y Corea, están licenciados por un tiempo limitado al sello de origen inglés Domino Records -hogar de algunos de los artistas hoy más aclamados por la crítica especializada: Franz Ferdinand, Four Tet y Bonnie 'Prince' Billy, entre otros-; y, en Japón son comercializados por Kepel Kimura, un reconocido distribuidor de música latinoamericana y brasilera, y exportados directamente desde nuestro país.
Lo sorprendente del caso es que estos logros fueron alcanzados sin el apoyo de ninguna multinacional, sino sólo con el esfuerzo y la convicción de la pareja de emprendedores. "Cuando se terminó el contrato con Universal por el disco debut Rara, producido por Gustavo Santaolalla, Juana había quedado en una posición muy frágil dentro de la industria, pero al mismo tiempo empezaba un cambio muy grande en la producción casera de discos. Inmediatamente comenzó a explorar la autogestión y luego de dos años de trabajar en su segundo disco en Los Angeles, volvimos a Buenos Aires y a fines de 2000 lo editamos de manera independiente. Este disco, titulado Segundo, comenzó a venderse en grandes cantidades en Japón; llegó a ser el disco argentino más vendido en ese país", relata Federico. En los EE.UU., el éxito fue impresionante. La respuesta del público y la crítica fue inmediata. Esa repercusión, que llevó a su tercer trabajo -Tres Cosas- a figurar entre los diez discos del año 2004 según el New York Times, tuvo un impacto directo sobre las ventas en Argentina. 
Pero no es un caso aislado. Durante el primer semestre de 2005, la actividad creció un 35% en comparación con mismo período del año anterior, con 6,72 millones de unidades vendidas en todo el país y una facturación de $ 120 millones. 
El nuevo auge de la industria discográfica no se circunscribe a un género o estilo, ni responde a un patrón económico o una estrategia de marketing. Cada caso tiene una historia singular.

Grammy para una Pyme
EPSA Music comenzó siendo una fábrica de discos a la que se acercaban artistas que no podían editar sus trabajos en ninguna discográfica. "Era un nicho para desarrollar: artistas que quedaban fuera de las multinacionales, cantantes de mucha calidad que no tenían espacio dentro del circuito comercial", cuenta Laura Tesoriero, presidente del sello que ganó recientemente el Grammy al mejor álbum de tango con Postangos en vivo en Rosario, de Gerardo Gandini.
"Siempre fuimos una empresa familiar -continúa- que sólo había pensado en la fabricación de CDs". Pero pronto comenzaron a editar, especialmente artistas de tango, luego de comprobar el interés por el género en el exterior. El mercado discográfico local ha recuperando su nivel ventas pero los precios son bajos comparados con los internacionales. Para Tesoriero, la única forma de crecer en la industria es conquistar públicos externos.
Los distribuidores realizan la promoción en el exterior. Si se hace a través de Internet, el encargado de "marketinear" a los artistas es The Orchad, una firma que lleva catálogos de sellos independientes a distintas partes del mundo. "Sería muy difícil ir como EPSA Music con mis 300 títulos a tocarle la puerta a I Tunes", explica Tesoriero, para quien Internet es una ventaja para los más pequeños, ya que permite competir con las multinacionales a escala global, sin aumentar los gastos de logística y distribución.
"En Barcelona abrimos una sociedad (EPSA Music Europa), pero el volumen de negocio no da para tener oficinas allá. Si nos uniéramos con otros sellos, ajustaríamos los costos. Aunque es estratégico tener una boca de expendio en la puerta de Europa", comenta Tesoriero.
Abrir oficinas en el exterior sigue siendo una dificultad para los sellos pequeños. Lo que más le preocupa a EPSA Music es la carga impositiva. "Para que se desarrolle la industria del disco, se tiene que modificar el IVA. Se reduciría 21% el precio final y se podría ingresar en otros puntos de venta, como las librerías. Los libros no pagan IVA. Pero si el 'disco es cultura', debería estar protegido por la misma legislación", comenta Tesoriero.

Negocios por escrito
El mercado editorial también está atravesando un crecimiento sostenido desde hace dos años, según datos del Observatorio de Industrias Culturales del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. En 2004, fue el segundo sector económico de mayor crecimiento, con un 20,5%, después del automotriz. Entrado 2005, la producción de libros creció un 28% durante los primeros seis meses, en comparación con el mismo período del año anterior y promete seguir en aumento.
En los'90, unas 20 firmas nacionales -en su mayoría de capitales extranjeros- concentraron aproximadamente la mitad de la producción de libros editados en el país (no títulos), en términos de ejemplares. En paralelo, se registró la creación de una significativa cantidad de nuevas editoriales, orientadas a segmentos específicos de lectores, con un alto grado de especialización temática y gran calidad editorial.
En 1992, Guido Indij fundó La Marca Editora, un sello independiente especializado en arte, fotografía, ensayo y poesía. Para financiar la primera serie de obras, Indij vendió su auto mientras trabajaba desde el living de su casa. La colección (Cuadernillos de Género) estaba constituida por tres compilaciones de ensayos sobre fotografía, televisión y literatura policial. Con las obras bajo el brazo, Indij comenzó a recorrer librerías. Pronto comprobó que la desventaja de la distribución directa de los editores pequeños es que, la poca variedad de la oferta reduce el poder de negociación con los libreros.
Allí decidió empezar a importar libros de México en cantidades reducidas. Además de editar, la empresa comenzó distribuir libros, propios y adquiridos, en librerías locales. Así nació proveedores internacionales. En 1996, llegó la cadena de librerías especializadas Asunto Impreso Librería de la Imagen con la inauguración de tres locales.
"El editor independiente surfea por los intersticios, se ocupa de lo que no se ocupan otros. Edita muchas veces a contracorriente de las lógicas de mercado. Es que allí está su lógica", afirma Indij en su texto El 'editor surfer'. 
La Marca Editora y Asunto Impreso encontraron lectores ávidos de libros que, a falta de rótulo preciso, son básicamente diferentes. Es más, para los más conservadores, muchos de los productos editados por Indij difícilmente puedan ser categorizados como libros: desde Cartele, un trabajo fotográfico que registra la impronta de la cultura popular en carteles de la vía pública, hasta Máximas Mínimas de Benavides Bedoya, un libro encuadernado con tapas de piedra.

De museo a galería
En la industria cultural, las grandes empresas tienden a reproducir fórmulas probadas de antemano para acotar el riesgo de la inversión. De allí que, en este sector, la innovación, la creación de lenguajes inéditos y el desarrollo de nuevos espacios creativos este principalmente en manos de las pequeñas y medianas empresas. 
Y en muchos casos, lo que nació como un espacio de creación artística libre termina convirtiéndose en negocio. Es el caso de la galería de arte contemporáneo Braga Menéndez, que nació como un espacio independiente de las instituciones del arte, para recién después adquirir también un rol comercial. 
"Jamás me imaginé que podía llegar a vender una obra", confiesa Florencia Braga Menéndez, fundadora y directora de la galería. "Este proyecto -explica- nació como un hecho político. Toda nuestra construcción como galería parte de la decisión de combatir la curaduría a priori. Basta de los curadores estrella, que primero hacen un discurso erudito que luego es ilustrado por supuestos artistas".
Otra prueba más de que los pequeños y medianos emprendimientos en el plano de la cultura parten, ante todo, de la pasión y no del cálculo económico. "Mi objetivo era construir un espacio donde las personas pudieran experimentar el arte, disfrutar de la cultura como un bien personal", dice Braga Menéndez. Por eso, al comienzo era más bien un pequeño museo destinado al disfrute del arte. Sólo con el tiempo se transformaría en una galería comercial, cuando los invitaron a participar de la feria ArteBA. "Ahí hice el click y vendí todo o casi todo", cuenta la empresaria.
Pese a haber creado una alternativa para el arte que se produce en nuestro país, Braga Menéndez encuentra barreras para difundir nuevos artistas. "La relación calidad-precio en la Argentina es increíble. Los extranjeros identifican esta situación muy rápidamente. En España, he visto pagar 8.000 euros por obras que están muy por debajo de lo que se esta produciendo en nuestro país", opina la galerista. Su socia, Cecilia Karplus, agrega: "A nosotros nos sirven las dos cosas: vender localmente y exportar. Pero los presupuestos con los que vienen de afuera son mayores a los que tienen los coleccionistas de acá. Para nosotros, una obra que se vende en US$ 3.000 es una venta importante; para un extranjero, es un precio excelente para una producción de tanta calidad".
Pero no es fácil para los extranjeros llevar obras argentinas de vuelta a sus casas. La consultora en arte María José Bermúdez explica que las exigencias con las que debe cumplir un comprador extranjero muchas veces atentan contra la posibilidad de exportar: "el nuevo trámite de artes visuales no lleva menos de 15 días y no vale menos de US$ 120 dólares. Muchos artistas se quedan vender porque el comprador extranjero de paso por Buenos Aires, no puede quedarse esperando a que salga el trámite. A veces es más costoso el trámite y el envío que la obra en sí".
Bajo el nombre de Omnes Artes, María José Bermúdez e Inés Etchebarne, decidieron potenciar sus contactos personales y fomentar el trabajo en red para relacionar entre sí a distintos actores del mundo del arte y la cultura. "No representamos artistas; no somos competencia de las galerías de arte, ni de los curadores, ni los críticos. Básicamente, organizamos eventos culturales en los que promovemos el trabajo de artistas jóvenes y, entre otras tantas cosas, contactamos al público, muchas veces extranjeros, con galeristas y artistas", aclara Bermúdez. 

Con aire de tango
Con el trabajo de artistas e ilustradores ajenos al circuito de galerías y museos, Pablo Lewin y Pablo Feldman -ambos de 28 años- crearon Ideas A Medida, una Pyme dedicada a desarrollar productos con arte incorporado. 
"Trabajamos en el espacio que existe entre las grandes agencias de publicidad y los estudios de diseño gráfico. Creamos ideas, elegimos artistas, desarrollamos contenidos en forma de licencias y marcas en conjunto y generamos los soportes adecuados para introducirlas en el mercado", explica Lewin.
La mayoría de los negocios comienzan con un producto o servicio, pero Lewin y Feldman empezaron con la marca. Hace seis años, los dos arquitectos armaron un estudio de diseño y en 2003 diseñaron, junto al artista plástico Gustavo Reinoso, La Familia Dell Tango, un proyecto inspirado en la cotidianeidad y los personajes de lo que podría ser de un arrabal del siglo XXI.
Al año siguiente, ganaron el premio para nuevos emprendimientos de INCUBA, por lo que la Secretaría de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires les otorgó un subsidio de $ 6.000 y apoyo institucional. "Inventamos una marca, La Familia Dell Tango, y a partir de ahí empezamos a desarrollar productos: mazos de naipes, un juego de la memoria, tarjetas postales. La línea se fue ampliando y una editorial compró la licencia para hacer una agenda y un calendario, que se está exportando", cuenta Lewin.
El inesperado éxito del concepto impulsó la apertura de un bar temático. "La franquicia gastronómica Dell TANGO BAR tiene un desarrollo muy avanzado y, el año pasado, hicimos una instalación prototipo en el Abasto con el apoyo de la Secretaría de Cultura". Mediante un acuerdo con el shopping Abasto de Buenos Aires, desarrollaron productos especiales para el día del padre, desde delantales y gorros, hasta juegos de mesa. "Teniendo la idea o concepto, se pueden hacer miles de cosas. Nosotros tercerizamos la producción en talleres especializados, pero nos encargamos de todo el proceso", subraya Lewin.
Con una facturación anual que ronda los $ 200.000, Ideas A Medida ya tiene representación comercial en los EE.UU. y Europa. Es que la moda del tango mueve en el mundo más de US$ 2 mil millones al año. Un estudio de la consultora internacional Booz Allen & Hamilton concluyó que la marca "tango" tiene un peso específico comparable al de Coca Cola, y es la marca con la que se identifica en todos lados a la Argentina, junto con Armando Maradona.

Artificios espectaculares
Ideas A Medida no es la única Pyme que nació de capitalizar la creación artística e incorporarla a productos de consumo masivo. Los graduados en Caracterización del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, Lucía Marachli y Sebastián Molchasky, adaptaron sus habilidades en maquillaje para óperas y escenografía teatral a la pantalla chica y la grande. Así nació Efecto Cerebro, un laboratorio de maquillaje para efectos especiales.
Previamente, ambos habían trabajado en FX Stunt Team, donde realizaron los maquillajes de efectos especiales de numerosas tiras de Pol-Ka, la serie Epitafios -también producida por Adrián Suar, esta vez junto a HBO- y el largometraje Iluminados por el fuego, de Tristán Bauer. Estas experiencias les dieron la seguridad y confianza para armar su propio emprendimiento. Así, hace un año y pocos meses, nació Efecto Cerebro, una Pyme especializada en maquillaje para rodaje, utilería, rosticería, animatrónica y maquetas. La consagración llegó de inmediato. Hoy están filmando el nuevo largometraje de Pablo Trapero, Nacido y Criado y un nuevo programa de televisión para Claxon. 
"El camino que llevamos recorrido muestra que, con esfuerzo, todo lo imaginado es posible: desde una maqueta de un mundo fantástico, el interior de un cuerpo humano, la criatura más extraña o el maquillaje más impactante", aventura Molchasky.
Hasta qué punto un emprendedor está dispuesto a invertir, dependerá de su particular aversión al riesgo. Lo que sí queda claro es que para todos los empresarios culturales, el mayor de los fracasos es dejar de hacer lo que realmente les gusta. Y a juzgar por los hechos, eso se traduce en buenos negocios.

Múltiples fuentes: dónde financiarse
todos aquellos que siempre anhelaron hacer del sueño de su vida un negocio, tomen nota: en materia cultural, las condiciones nunca fueron tan buenas como ahora. La exportación de la creatividad nacional, favorecida por el tipo de cambio, alcanza los US$ 300 millones anuales, sólo en concepto de obras de arte. Además, como dinamizan la economía, el Estado está brindando un fuerte apoyo a las industrias culturales, especialmente en la Capital.

Es por esto que la Secretaría de Cultura de Buenos Aires acaba de inaugurar el Centro de Apoyo al Productor Cultural (CAPC), "un sitio virtual donde se pueden analizar todas las opciones a nivel nacional, desde lo público y privado, en materia de trámites, financiamiento y capacitación", indica Mariano Perla, jefe de Prensa de la entidad porteña.

El sitio (www.guiacultura.gov.ar) ofrece información gratuita sobre medios de financiamiento a tasa cero, o a muy bajo costo, para los emprendedores culturales y la oportunidad de patrocinio en distintas fundaciones. Se trata de un lugar imprescindible, de consulta obligatoria, para las Pymes de la industria cultural: allí se anuncian becas de estudio, inscripciones para participar en ferias internacionales, información concerniente al registro de la propiedad intelectual y hasta datos sobre financiación para adquirir bienes de capital.

Por tercer año consecutivo, en 2006 continuarán otorgando subsidios para emprendedores culturales (www.buenosaires.gov.ar), con líneas de hasta $ 50.000 para sociedades de responsabilidad limitada con más de un año de antigüedad y para aquellas pequeñas empresas que se asocien para compartir insumos.

El trámite es sencillo, sólo hay que bajar el formulario correspondiente de Internet. Tal vez lo más complicado para alguien que recién empieza es realizar los estudios de razonabilidad y factibilidad económica y financiera, como también poder medir la incidencia del aporte del proyecto a la comunidad. En base a estos tres puntos es evaluada la disponibilidad del dinero. 

Exportar cuesta: una agenda pendiente
Para exportar una obra de arte hace falta autorización previa de la Dirección de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura. Como se paga sobre estos bienes un 5% de derechos de exportación, la Aduana solicita una tasación de peritos del Banco Ciudad, con un costo adicional.
"Los trámites para la pintura de un artista nacional tardan hasta 45 días, muchas veces con la obra ya vendida al exterior", explica Liana Sabbatella, presidente de la Cámara Argentina de Empresarios Culturales (CAEC). 
Además de los costos de tasación, los derechos de exportación y el "expertisaje" de la obra, a partir del año pasado se le sumó el IVA. 
La presidente del CAEC señala que todavía hay "mucha agenda" pendiente:
- Los nomencladores del código aduanero no abarcan todas las necesidades. Hay un vacío total respecto de "libros objeto", filatelia, relojes antiguos, fotografía, colecciones de interés histórico, numismático y etnográfico. La orfebrería, se exporta como un artículo suntuario.
- Falta asignar valor a todo el agregado que aporta el diseño, lo que afecta a la industria de la moda y el mueble, entre otras. En otros países, este intangible hasta cotiza en bolsa.
- La entidad empresarial procura que el gobierno designe una aduana específica para la exportación de cuadros. La Asociación Argentina de Galerías de Arte está dispuesta a poner peritos propios para agilizar la valoración de las obras de arte y capacitar gente para hacerlo. 
Para Sabbatella, sería bueno que se aprobara la ex Ley de Mecenazgo, ahora llamada Régimen de Incentivo fiscal para el Arte y la Cultura. La ley propone un organismo mixto (estatal y privado) que avale los patrocinios otorgados y verifique que la plata llegue al debido destino; aumenta las áreas de patrocinio e incluye a todas las nuevas actividades del diseño; y establece como organismo regulador a la Secretaria de Cultura, y de esta manera libera al Fondo Nacional de las Artes, que es un ente autárquico que depende de la Presidencia. "Aprobar o no la Ley de Mecenazgo no puede ser un tema politizado", dice Sabatella. 

- Pensar a lo grande.
- Con una buena idea, el dinero llega. Las formas de financiamiento son múltiples: desde invertir todos los ahorros, presentarse a 
concursos, subsidios o patrocinios hasta pedir dinero a familiares.
- El gran tema es aprender a "vender esa idea única". El cliente también es elegido y no se desperdicia energía yendo a ver a todo el mundo. Hay un criterio de selección basado en la imagen.
- Los roles de trabajo se van definiendo solos, a medida que avanza el negocio. Generalmente no existen los escritorios individuales sino una sola gran mesa de trabajo, donde todos opinan de los diferentes temas, sea su especialidad o no.
- Hay que contar con una estructura legal, administrativa y financiera, lejos de ser una traba resulta en mayores oportunidades para presentarse en concursos y licitaciones; también para exportar. 

- No es un proyecto hippie. Se busca ganar dinero aunque no sea la principal motivación para ponerl en marcha el negocio.
- No hacerse la pregunta "¿por qué lo haría?", sino más bien "¿por qué no?". En principio, nada es una locura. En este campo, incluso el proyecto aparentemente más delirante quizá merezca al menos ser analizado.
- No suele existir una competencia feroz con las otras Pymes del rubro. Es bastante habitual que, cuando no se da abasto para satisfacer la demanda, se pasan los trabajos a las empresas colegas.
- El socio capitalista no recibe un trato diferencial, como el que sí suele dispensarse al artista, que es comprendido muchas veces en su sensibilidad y desorden.
- No es ficticia la "buena onda" que se le atribuye a los emprendimientos de este tipo. Los climas de trabajo generalmente son amenos, alegres y relajados. 

    Algunos sitios virtuales para consulta específica

Cámara Argentina de Empresarios Culturales - www.caec.com.ar 
Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad. (Ver Fondos Cultura BA) www.buenosaires.gov.ar/areas/cultura
Guía del Productor Cultural - www.guiacultura.gov.ar 
Centro Metropolitano de Diseño - www.cmd.gov.ar 
Cámara Argentina del Libro - www.editores.org.ar 
Cámara Argentina de Productores e Industriales de Fonogramas - www.capif.org.ar